THE WATERMELON WOMAN

Long métrageEN SALLE

Poignant et percutant, Don’t Come Out est un film d'horreur qui met en lumière l'identité queer femme avec une intensité viscérale impossible à ignorer. Le film ne fait l'économie d'aucun détail quant aux conséquences découlant d'une vie authentique au sein d'un environnement homophobe et misogyne, montrant surtout comment ce dernier s'infiltre dans l'esprit et vient le hanter. Liz, étudiante en médecine, mène une existence en apparence idéale. Tant qu'elle se montre prudente, les conséquences ne restent qu'une lointaine menace. Après la mort soudaine et brutale de sa petite amie clandestine, Liz continue de sauver les apparences : elle joue la fille dévouée et se fait passer pour hétérosexuelle aux côtés d'un petit ami attentionné. Lors d'une escapade le temps d'un week-end avec ses meilleur·e·s ami·e·s, la réalité la rattrape et la fuite n'est plus une option. Alors qu'elle se retrouve de nouveau happée par un désir saphique, l'horreur liée à la transgression des normes sociales se déchaîne, et aucun retour en arrière n'est possible. S'inspirant du cinéma giallo en combinant suspense, érotisme et une cinématographie soignée tout en intégrant des éléments d'art moderne et grotesque, Don’t Come Out est une œuvre qui ne manquera pas de vous hanter bien après le générique de fin.

Long métrageEN SALLE

Bien avant que les droits LGBTQ+ ne s’imposent dans le débat public, Magnus Hirschfeld œuvrait déjà à transformer la manière dont la société comprenait la sexualité, le genre et le désir. Avec L’Einstein du sexe, Rosa von Praunheim retrace la vie et l’œuvre remarquables de ce pionnier de la sexologie allemande. Né en 1868 dans une famille juive, Hirschfeld devient médecin et ardent défenseur des minorités sexuelles. En 1897, il fonde le Comité scientifique-humanitaire, la première organisation au monde consacrée aux droits des personnes homosexuelles, et milite pour l’abolition du paragraphe 175, qui criminalisait l’homosexualité en Allemagne. Son travail dépasse largement l’activisme. Hirschfeld mène des recherches sur la sexualité et le genre, évolue au sein du mouvement psychanalytique émergent avant de rompre avec Freud et Jung, puis fonde en 1919 l’Institut de sexologie à Berlin. Centre internationalement reconnu de recherche, d’éducation et de soins, l’Institut mène notamment des travaux novateurs auprès des personnes trans. Praunheim retrace chronologiquement le parcours de Hirschfeld dans un style à la fois théâtral et pédagogique. Après l’arrivée des nazis au pouvoir, l’Institut est détruit et sa bibliothèque incendiée. Hirschfeld s’exile et meurt en 1935, sans voir son œuvre pleinement reconnue. Le portrait d’un visionnaire dont l’héritage continue de façonner l’histoire queer.

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Daniel et Clemens tombent amoureux, emménagent ensemble et tentent d’imiter les conventions d’un mariage bourgeois. Lorsque leur relation prend fin au bout de quatre mois, Daniel s’immerge de plus en plus dans la sous-culture gaie berlinoise. Il trouve un emploi dans un café gai et fréquente les parcs et les lieux de rencontre publics prisés par les hommes homosexuels. Finalement, il rencontre Paul, qui l’introduit dans une communauté gaie où l’on discute ouvertement de modèles alternatifs de vie et d’identité(s) homosexuelle(s). La critique cinglante de Praunheim à l’égard de l’invisibilité que s’imposaient les personnes homosexuelles dans la vie publique est l’un des rares exemples de film ayant eu un impact sociopolitique direct. À la suite de ses premières projections, plus de cinquante groupes militants ont vu le jour, jetant ainsi les bases du mouvement moderne de défense des droits des personnes homosexuelles en Allemagne. Tourné à l’origine sans son et complété par la suite par une voix off ironique, le film mêle fiction et images documentaires, manifeste et essai, pour aboutir à un appel direct à l’auto-organisation collective. Sa forme expérimentale et ouverte est aussi provocante et stimulante que sa critique de grande envergure.

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Quatorze ans après avoir fui son petit village insulaire, un jeune homme y retourne mais personne ne le reconnaît. Un étonnant premier long métrage sur la recherche d’identité, la mémoire, les mensonges. Et une performance habitée de Paul Boche dans le rôle principal. Après avoir fui son tout petit village sur une île désolée, Hein est devenu professeur sur le continent. Quatorze ans plus tard, il y retourne mais aucun des habitants ne le reconnaît, ni sa mère atteinte de démence, ni sa sœur, ni ses voisins, ni son ami d’enfance qui, à l’adolescence, est devenu plus que ça. Le revenant soutient qu’il est Hein et afin de savoir qui dit vrai, les villageois tiennent un tribunal populaire. Pour cet étonnant premier long métrage, gagnant du Teddy Award au dernier Festival de Berlin, le cinéaste a choisi de ne camper que le décor du village, à l’instar de Lars von Trier dans Dogville. Ce qui donne une dimension quasi-mythologique à ce film à fleur de peau, hyperréaliste dans son symbolisme. Dans le rôle de ce survenant qui fait éclater la cohésion sociale des siens, Paul Boche est admirable d’intensité et de retenue.

Long métrageEN SALLE

Sur la piste, seule la victoire compte. En dehors, deux femmes découvrent quelque chose de bien plus complexe : le désir, l'intimité et le frisson de trouver quelqu'un capable de tenir son rythme. Personal Best de Robert Towne est un portrait sensuel, athlétique et discrètement radical du désir queer et de l'ambition féminine. Chris Cahill (Mariel Hemingway) est une jeune athlète de course à pied talentueuse, encore en quête de confiance en elle, lorsqu'elle rencontre Tory Skinner (Patrice Donnelly), une pentathlète accomplie qui se prépare pour les sélections olympiques. Leur amitié se transforme rapidement en une relation intime, tandis que Tory devient à la fois la mentore de Chris et sa plus féroce rivale. S'entraînant ensemble sous la direction de l'exigeant entraîneur Terry Tingloff (Scott Glenn), les deux femmes se poussent mutuellement vers de nouveaux sommets. Mais à mesure que les compétences de Chris se développent, la tension entre elles s'accroît. Les exigences du sport de haut niveau et la perspective de la gloire olympique les obligent à naviguer entre les frontières mouvantes de l'amour, de l'amitié, de la rivalité et de l'indépendance. Ce premier long métrage de Robert Towne est saisissant par son portrait franc des athlètes féminines et de l'intimité queer. Filmé avec une immédiateté qui capture à la fois l'intensité physique de la compétition et la sensualité de leur relation, Personal Best est un film sur les corps en mouvement, l'ambition, le désir et la manière complexe dont nous nous poussons les un·es les autres à donner le meilleur de nous-mêmes.

Long métrageEN SALLE

Du sang, des gars, et un tueur masqué en cavale ! Hellbent de Paul Etheredge-Ouzts, souvent reconnu comme le tout premier slasher gay, classique incontournable de l’horreur queer et film d’ouverture d’image+nation 2004, projette un tueur armé d’une faux au beau milieu du carnaval d’Halloween de West Hollywood. Alors que les cadavres s’accumulent autour d’eux, Eddie et Jake, objet de son béguin, doivent se battre pour survivre. Porté par un humour noir décapant, une direction artistique spectaculaire et des effets spéciaux ultra-sanglants, Hellbent de Paul Etheredge-Ouzts élève le genre du slasher vers de nouveaux sommets gays. Ce premier film déjanté et camp suit Eddie, le séduisant voisin d'à côté, et ses trois meilleurs amis dans l'univers fantastique du carnaval annuel d'Halloween de West Hollywood. Distrait par son attirance pour le sombre et mystérieux Jake, Eddie, apprenti policier, ne remarque pas le tueur masqué armé d'une faux qui les traque, lui et ses amis. Alors que les corps décapités s’amoncellent, Eddie et Jake doivent unir leurs forces dans une lutte désespérée pour survivre. Rempli de surprises et rythmé par une bande originale explosive, Hellbent est un cocktail de frissons, de suspense et de fous rires machiavéliques au rythme effréné. En mêlant les codes classiques du slasher au désir queer et à l'humour camp en y ajoutant un côté gore assumé, le film s'est taillé une place de choix dans le cinéma d'horreur queer.

Long métrageEN SALLE

Un bodybuilder amateur est déchiré entre sa mère aimante et dominatrice, ses convictions religieuses et son désir grandissant pour un nouvel entraîneur. Superbement écrit et brillamment interprété par Brock Yurich, Test est un formidable film sur l’identité et les blessures durables de l’hyper-masculinité. En Ohio, Eddie, bodybuilder amateur, rêve de devenir pro et sacrifie tout à son objectif. Il vit avec sa mère qui l’appuie et l’étouffe et, pour boucler les fins de mois, s’expose secrètement comme camboy. Tiraillé entre la pression d’un entraînement intensif, ses convictions religieuses, son attirance pour sa première blonde, de retour en ville, et son désir grandissant pour un nouvel entraîneur dangereusement sexy daddy, Eddie va devoir trouver qui il est vraiment. En plus de jouer le rôle principal avec force, nuances et sensibilité, Brock Yurich a écrit le scénario semi-autobiographique de Test. Ce qui donne des accents de vérités autant à la description de l’univers du culturisme qu’à la lutte intérieure de cet homme fragile, qui cache ses blessures sous la carapace d’une hyper-masculinité malsaine. Pas besoin de s’intéresser au bodybuilding pour vibrer à ce film émouvant.

DocumentaireEN SALLE

Dans le Paris de l’entre-deux guerres, une communauté de lesbiennes a contribué à faire de la Ville-Lumière un centre névralgique de la culture de cette époque. Superbes images d’archives, entrevues anciennes ou plus récentes et facture classique : un documentaire instructif sur des figures méconnues. Dans le Paris de l’entre-guerres, à l’ombre des Picasso et des Hemingway, des Françaises et des expatriées américaines ont contribué à l’explosion artistique et culturelle de cette époque. Gertrude Stein était la plus connue mais il y avait aussi Adrienne Monnier et Sylvia Beach, pionnières de l’édition, Janet Flanner, qui sera correspondante pendant 40 ans du New Yorker, la peintre Romaine Brooks, l’auteure Djuna Barnes et Natalie Barney qui tenait un salon littéraire hebdomadaire pouvant réunir jusqu’à 200 personnes. Sans que ce soit le thème central de ce film de facture classique, le lesbianisme que partageaient ces femmes est une des clés pour comprendre pourquoi elles se sont retrouvées dans la Ville-Lumière et y ont façonné une révolution artistique qui a marqué son époque. Parsemé de superbes images d’archives, Paris Was a Woman est un documentaire instructif sur des figures féminines aussi avant-gardistes que méconnues.

Long métrageEN SALLE

Qu’advient-il lorsque l'on plonge une adolescente boursière d'origine modeste au cœur d'un établissement privé religieux ? Et si on y ajoute des enjeux de couleur de peau et de sexualité, sans oublier une nouvelle élève incroyablement stylée qui ne cesse de la chercher du regard à l'autre bout de la classe ? La réponse : une comédie rafraîchissante et criante de vérité, qui suit Luthando et sa bande dans les méandres de l'amitié féminine, des drames adolescents, des amours naissants et de la pression sociale. Cette aventure légère et entraînante s'appuie sur une galerie de personnages riche et nuancée, mettant à l’épreuve l'émerveillement de la jeunesse et son innocence face aux questions de loyauté, de trahison, d'amitié et de sentiments amoureux qui s’entremêlent dans des nuances subtiles de l’obéissance et de la rébellion. Black Burns Fast explore les douleurs de la transition entre l'adolescence et le passage à l'âge adulte, ainsi que l'éveil de la sexualité. Les pensées des personnages prennent vie à l'écran sous forme d'animations, tandis que des fils de discussions textes tissent des intrigues secondaires à travers tout l'écosystème de l'école. Véritable microcosme du monde qui les attend : un monde marqué par les inégalités sociales et le deux poids, deux mesures, qu'il s'agisse de couleur de peau, de genre ou de classe, et par les actes de courage requis pour faire entendre sa voix, tant pour soi-même que pour celleux que l'on aime.

Long métrageEN SALLE

Les bars-cuir de la scène underground new-yorkaise deviennent le théâtre d'un jeu dangereux mêlant désir, identité et surveillance. Avec Cruising, William Friedkin nous plonge au cœur de la vie nocturne queer du New York d'avant les années sida, où un jeune policier sous couverture se retrouve aspiré par l'univers qu'il était censé infiltrer. Al Pacino incarne Steve Burns, un jeune cadet chargé de s'infiltrer dans le quartier cuir de Manhattan afin d'y traquer un tueur qui prend pour cible des hommes gays. Évoluant incognito au sein de cette communauté, Burns fréquente les bars, les clubs et enchaîne les rencontres nocturnes. Tandis que l'enquête l'entraîne toujours plus loin dans un monde qui lui est inconnu, il lui devient de plus en plus difficile de l’observer avec recul. Sorti en 1980, Cruising demeure l'un des films les plus controversés du cinéma américain sur la vie queer. La mise en scène ténébreuse et atmosphérique de Friedkin capte l'anonymat électrique de la subculture cuir et S&M new-yorkaise, tout en floutant délibérément les frontières entre jeu de rôle, maintien de l'ordre, désir et identité. Cruising sera présenté aux côtés de Mineshaft: The Cruising Murders, un documentaire qui explore les faits divers réels et le fameux bar cuir au centre de cette histoire. Ensemble, ces deux œuvres proposent un double regard sur un moment charnière du New York queer, juste avant que la crise du sida ne vienne bouleverser la communauté.