CRUISING

Long métrageEN SALLE

Poignant et percutant, Don’t Come Out est un film d'horreur qui met en lumière l'identité queer femme avec une intensité viscérale impossible à ignorer. Le film ne fait l'économie d'aucun détail quant aux conséquences découlant d'une vie authentique au sein d'un environnement homophobe et misogyne, montrant surtout comment ce dernier s'infiltre dans l'esprit et vient le hanter. Liz, étudiante en médecine, mène une existence en apparence idéale. Tant qu'elle se montre prudente, les conséquences ne restent qu'une lointaine menace. Après la mort soudaine et brutale de sa petite amie clandestine, Liz continue de sauver les apparences : elle joue la fille dévouée et se fait passer pour hétérosexuelle aux côtés d'un petit ami attentionné. Lors d'une escapade le temps d'un week-end avec ses meilleur·e·s ami·e·s, la réalité la rattrape et la fuite n'est plus une option. Alors qu'elle se retrouve de nouveau happée par un désir saphique, l'horreur liée à la transgression des normes sociales se déchaîne, et aucun retour en arrière n'est possible. S'inspirant du cinéma giallo en combinant suspense, érotisme et une cinématographie soignée tout en intégrant des éléments d'art moderne et grotesque, Don’t Come Out est une œuvre qui ne manquera pas de vous hanter bien après le générique de fin.

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Un film sublime ancré dans la nature sauvage canadienne. A Safe Distance, réalisé par la cinéaste primée Gloria Mercer, est une œuvre saisissante à tous points de vue. Particulièrement audacieux dans sa critique du patriarcat en milieu sauvage, le film explore la notion même de survie tout en offrant une relecture féministe et rafraîchissante d’un conte d’amant·e·s en cavale. Avis aux fans de Yellowjackets : ce film est fait pour vous ! La fragilité n'y a pas sa place, car l'hémoglobine et la ruse jalonnent le parcours de personnages poussés bien au-delà de leur zone de confort, parfois par choix, parfois par pur hasard. Lorsqu'une demande en mariage tourne au vinaigre, Alex, une femme abandonnée à son propre sort, se retrouve en compagnie de deux inconnus intrigants. Leur rejet des normes sociales la séduit et l'arrache à la monotonie de son existence. Au terme d'une nuit de chaos sous substances psychédéliques, Alex voit tout son système de valeurs s'effondrer, atteignant des profondeurs qu'elle n'aurait jamais cru possibles. Fluide et cinétique, sublimé par l'utilisation de téléobjectifs et de zooms, A Safe Distance est une expérience cinématographique aussi rare que captivante.

DocumentaireEN SALLEVIRTUEL

En 1979, l’annonce de Cruising, slasher gay avec Al Pacino, provoque la colère des militants LGBTQ de New York, qui dénoncent l’homophobie du scénario. Interviews inédites, images d’archives et extraits du film : un inestimable témoignage de cette époque ultra-libre, juste avant le sida. En 1979, William Friedkin, réalisateur de The Exorcist, annonce qu’il va tourner un film avec Al Pacino dans la peau d’un flic qui infiltre le milieu S&M pour démasquer un tueur en série. Le scénario fuite dans les médias gays, qui estiment qu’il s’agit d’une représentation déformée et homophobe du monde homosexuel. Alors que la police new-yorkaise n’arrive pas à capturer un serial killer qui démembre des hommes gays, la communauté LGBTQ organise des manifestations quotidiennes dans l’East Village pour empêcher le tournage. Plus qu’un making of, ce documentaire reconstitue le contexte autour du film maudit. Entrevues en profondeur avec le chum et la sœur d’une des victimes, mais aussi avec des militants de l’époque, images d’archives et extraits, aujourd’hui risibles, du film de Friedkin : Mineshaft : the Cruising Murders est un précieux témoignage sur ces années folles, juste avant le sida.

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Cette œuvre fondatrice de Cheryl Dunye, The Watermelon Woman, mêle fiction et documentaire pour explorer l'effacement des femmes noires et queers de l'histoire du cinéma. Drôle, incisif et ludiquement autoréflexif, ce chef-d'œuvre venu tout droit du nouveau cinéma queer suit une réalisatrice déterminée à mettre en lumière l'histoire derrière un visage oublié du grand écran. Cheryl, incarnée par Dunye elle-même, est une jeune lesbienne noire travaillant dans un club vidéo à Philadelphie tout en poursuivant ses ambitions cinématographiques. Fascinée par une actrice noire créditée uniquement sous le nom de « The Watermelon Woman » dans un film hollywoodien des années 1930, Cheryl entreprend de découvrir son véritable nom et son histoire. Ses recherches la mènent au croisement des enjeux de race, de sexualité, de représentation et de la vie clandestine des femmes noires au cinéma. En parallèle, sa relation naissante avec Diana, interprétée par l'icône du cinéma queer Guinevere Turner, soulève des questions sur le désir, le privilège et l'intimité interraciale. Naviguant entre images d'archives factices, entretiens, journaux intimes vidéo et récit de fiction, Dunye brouille les frontières entre réalité et imagination. Avec esprit et finesse critique, The Watermelon Woman remet en question les récits historiques qui excluent les voix queers et imagine de nouvelles façons de se les réapproprier. À la fois quête personnelle et acte radical d'autodéfinition cinématographique, ce film est une œuvre majeure du cinéma lesbien noir.

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En 50 ans, Barbara Hammer, invitée spéciale pour les 20 ans de I+N, a laissé plus d’une centaine de films dont plusieurs ont été présentés au festival. Documentaire en forme d’autobiographie, Barbara Forever épouse avec conviction et justesse les idées révolutionnaires de son fascinant sujet. De 1968 à 2018, Barbara Hammer a mis le féminin et le lesbianisme au cœur de sa production composée d’une centaine de films aux titres évocateurs : Superdyke, The Lesbian Closet, The History of the World According to a Lesbian, etc. Méconnue du grand public et longtemps ignorée par le milieu de l’art, elle a dit que « le public lesbien voulait du réalisme et celui de l’avant-garde n’était pas très intéressé par le lesbianisme ». Plutôt que d’être bloquée par cette tension, elle s’en est servie comme d’un moteur et a persévéré jusqu’à ce qu’elle soit reconnue. Ce qui est admirable chez cette créatrice en constante recherche, c’est la constance et l’évolution de son regard sur elle-même et sur le monde. Depuis sa mort en 2019, son œuvre lui survit grâce aux bons soins de Florrie Burke, sa compagne pendant plus de 30 ans.

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Un slasher psychosexuel queer avec en vedette les actrices primées aux Emmy Awards Hannah Einbinder (Hacks) et Gillian Anderson (The X-Files), le dernier film de Jane Schoenbrun confirme sa place parmi les figures incontournables du cinéma queer et trans. Hannah Einbinder incarne Kris, une scénariste passionnée engagée pour ressusciter Camp Miasma, sa saga d'horreur préférée, après des années de suites bâclées et un désintérêt croissant des fans. Kris se rend dans un camp d'été abandonné pour y rencontrer Billy (Gillian Anderson), l'actrice recluse qui incarnait la dernière survivante du film original. Alors que les deux femmes prennent conscience de la façon dont la saga les a façonnées, elles plongent dans un délire ensanglanté mêlant désir, quête de soi et obsession. Décrit par Jane Schoenbrun (We’re All Going to the World’s Fair, I Saw the TV Glow) comme « une odyssée nocturne à la fois cinglée et réconfortante », Teenage Sex and Death at Camp Miasma est une méta-méditation brillante, drôle et poignante sur les récits qui nous construisent, sur nos dernières survivantes et leurs monstres, ainsi que sur le processus de devenir soi-même. Évoquant Mulholland Drive, porté par des interprétations centrales remarquables et une distribution stellaire incluant Jack Haven, Jasmin Savoy Brown, Eva Victor et Zach Cherry, Jane Schoenbrun livre ici une œuvre à la vision unique.

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Au manoir Grayson, l'héritage familial est une malédiction : le désir est dangereux et même une paire de mains peut avoir sa propre volonté. Le film d'horreur gothique, délicieusement grinçant et ouvertement queer de Glenn McQuaid détourne les conventions de l’histoire de la maison hantée pour en faire un conte délirant de répression, d'excès et d'autonomie corporelle. Boyd Grayson (Chris Colfer), héritier gay et hédoniste doté d'un appétit vorace pour les hommes et d'un don certain pour provoquer sa redoutable mère, Jacqueline (Alice Krige), se soucie peu de réaliser les rêves de cette dernière en matière d'héritage familial traditionnel. Mais lorsqu'un horrible accident le prive de ses mains, Jacqueline saisit l'occasion pour refaçonner son fils et s'assurer l'héritage dont elle a tant besoin. Sa solution : des prothèses expérimentales contrôlées par le subconscient de Boyd. Malheureusement, ses pulsions sont loin d'être innocentes, et ces nouveaux appendices ne tardent pas à déclencher une cascade sanglante de chaos. Mêlant mélodrame camp, horreur grotesque et comédie noire, The Restoration at Grayson Manor égratigne les attentes hétéronormatives tout en embrassant le désir queer dans toute sa splendeur indisciplinée et scandaleuse. Célébration déjantée de la monstruosité et de la marginalité, le film délicieusement excessif de McQuaid offre une conclusion des plus sanglantes à la nouvelle série de films d'horreur queer d'image+nation.

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Daniel et Clemens tombent amoureux, emménagent ensemble et tentent d’imiter les conventions d’un mariage bourgeois. Lorsque leur relation prend fin au bout de quatre mois, Daniel s’immerge de plus en plus dans la sous-culture gaie berlinoise. Il trouve un emploi dans un café gai et fréquente les parcs et les lieux de rencontre publics prisés par les hommes homosexuels. Finalement, il rencontre Paul, qui l’introduit dans une communauté gaie où l’on discute ouvertement de modèles alternatifs de vie et d’identité(s) homosexuelle(s). La critique cinglante de Praunheim à l’égard de l’invisibilité que s’imposaient les personnes homosexuelles dans la vie publique est l’un des rares exemples de film ayant eu un impact sociopolitique direct. À la suite de ses premières projections, plus de cinquante groupes militants ont vu le jour, jetant ainsi les bases du mouvement moderne de défense des droits des personnes homosexuelles en Allemagne. Tourné à l’origine sans son et complété par la suite par une voix off ironique, le film mêle fiction et images documentaires, manifeste et essai, pour aboutir à un appel direct à l’auto-organisation collective. Sa forme expérimentale et ouverte est aussi provocante et stimulante que sa critique de grande envergure.

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Dans le Paris de l’entre-deux guerres, une communauté de lesbiennes a contribué à faire de la Ville-Lumière un centre névralgique de la culture de cette époque. Superbes images d’archives, entrevues anciennes ou plus récentes et facture classique : un documentaire instructif sur des figures méconnues. Dans le Paris de l’entre-guerres, à l’ombre des Picasso et des Hemingway, des Françaises et des expatriées américaines ont contribué à l’explosion artistique et culturelle de cette époque. Gertrude Stein était la plus connue mais il y avait aussi Adrienne Monnier et Sylvia Beach, pionnières de l’édition, Janet Flanner, qui sera correspondante pendant 40 ans du New Yorker, la peintre Romaine Brooks, l’auteure Djuna Barnes et Natalie Barney qui tenait un salon littéraire hebdomadaire pouvant réunir jusqu’à 200 personnes. Sans que ce soit le thème central de ce film de facture classique, le lesbianisme que partageaient ces femmes est une des clés pour comprendre pourquoi elles se sont retrouvées dans la Ville-Lumière et y ont façonné une révolution artistique qui a marqué son époque. Parsemé de superbes images d’archives, Paris Was a Woman est un documentaire instructif sur des figures féminines aussi avant-gardistes que méconnues.

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Du sang, des gars, et un tueur masqué en cavale ! Hellbent de Paul Etheredge-Ouzts, souvent reconnu comme le tout premier slasher gay, classique incontournable de l’horreur queer et film d’ouverture d’image+nation 2004, projette un tueur armé d’une faux au beau milieu du carnaval d’Halloween de West Hollywood. Alors que les cadavres s’accumulent autour d’eux, Eddie et Jake, objet de son béguin, doivent se battre pour survivre. Porté par un humour noir décapant, une direction artistique spectaculaire et des effets spéciaux ultra-sanglants, Hellbent de Paul Etheredge-Ouzts élève le genre du slasher vers de nouveaux sommets gays. Ce premier film déjanté et camp suit Eddie, le séduisant voisin d'à côté, et ses trois meilleurs amis dans l'univers fantastique du carnaval annuel d'Halloween de West Hollywood. Distrait par son attirance pour le sombre et mystérieux Jake, Eddie, apprenti policier, ne remarque pas le tueur masqué armé d'une faux qui les traque, lui et ses amis. Alors que les corps décapités s’amoncellent, Eddie et Jake doivent unir leurs forces dans une lutte désespérée pour survivre. Rempli de surprises et rythmé par une bande originale explosive, Hellbent est un cocktail de frissons, de suspense et de fous rires machiavéliques au rythme effréné. En mêlant les codes classiques du slasher au désir queer et à l'humour camp en y ajoutant un côté gore assumé, le film s'est taillé une place de choix dans le cinéma d'horreur queer.